Artist: 김용익 Kim Yong-Ik (b. 1947)
Exhibition Dates: 2016.11.22 - 12.30
Exhibition Space: Kukje Gallery K2
Opening Hours: Monday – Saturday: 10am-6pm / Sunday, Holiday: 10am-5pm
Website: www.kukjegallery.com

Kukje Gallery is pleased to present a solo exhibition of Kim Yong-Ik as our final show of 2016. This marks the first time the widely acknowledged artist’s work is shown at Kukje and will consist of thirty new paintings made between 2015 and 2016. Kim’s artistic practice from the past four decades had been deeply impacted by the rapidly changing cultural milieu of postwar Korea. Over the course of four decades, Kim has devoted himself to what he refers to as the mark of “imperfection,” exploring this complex idea in both his own artwork and his critiques of the role of art institutions. One of the defining aspects of this inquiry and Kim’s oeuvre is his consistently independent stance amidst Korea’s dominant artistic movements, from the Modernism of the 1970s and conceptual art, Minjung art, to the rise of public art in the 1980s and 90s. The series of new paintings on view can be interpreted as a reflection of this ongoing conceptual evolution and a seminal chapter in the artist’s life-long artistic practice. 
 
Each work presented in the show has one of the following five titles: Apocalypse of Modernism, “In the Lingering Shadow” of Lies, Thinner…and Thinner…, After 20 Years, and Utopia. Present throughout all the series are Kim’s signature polka dots, first adopted by the artist in the early 1990s in an effort to create a mark on the authoritarian, immaculate surface of Korean modernist paintings. Kim chose the dot because it is easy to draw and symbolizes perfection. In the recent paintings, this early meaning has been set aside, and the dots reflect a simpler meaning yielding a pleasing array of tones and a rhythmic cadence. If Kim’s work thus far has dealt with his concern with the “modernist subject” often accompanied by rigid self-censorship and questions confronting the ethics of art or “art that makes sense,” the new paintings spared this burden of self-questioning to convey lightness that is readily visible in the thin surface of acrylic paint and light color palette.
 
Kim Yong-Ik’s cynical undertone persists on the other side of this “lightness.” A majority of his new works are the result of his reinterpretation and reappropriation of past works that had remained as sketches or prints. By reworking these previous ideas, the artist maintains his stance that “art today can no longer be politically or ethically correct and that artistic production inevitably results from editing rather than creating.” Despite this strident belief, Kim continues to insert his trademark humor into the works in the series, using organic elements such as plant extract coupled with tiny scribbles left on the surface to destabilize any singular interpretation or mechanistic repetition of symbolic value. This paradoxical pairing further elucidates the fact that these works, rather than an ode to lightness, are engaged in a dialogue of existential proportions, grappling with the contradictory conditions that art is facing today.
 
Kim Yong-Ik (b. 1947) first unveiled his Plane Object series in 1974 while under the tutelage of Park Seo-Bo at Hongik University’s Department of Painting. In 1981, just as he began to establish his name with this series, Kim made a bold decision to “bury” his work in a cardboard box and present it as is. During the 80s and 90s, while the domestic art scene was strictly separated into Minjung art and Modernism, Kim sought to retain a middle ground by actively engaging in environmental and public art projects all the while producing important writing that developed his artistic philosophy. From 1999 to 2012, Kim was a professor in the Painting Department of Gachon University (former Kyungwon University)’s College of Art and Design. He also served as a founding member of Art Space Pool, an alternative space established in 1999, and then as its director from 2004 to 2006. Kim was the subject of a comprehensive retrospective that examined his 40 year-long practice at Ilmin Museum of Art earlier this year.



국제갤러리는 2016년의 마지막 전시로 김용익 작가의 개인전을 개최한다. 이번 전시는 국제갤러리에서 처음으로 열리는 작가의 개인전으로 2015년부터 최근 2년간 제작된 30여 점의 회화작업으로 구성된다. 김용익은 지난 40여 년간 한국 현대사의 굴곡을 자신의 예술로, 삶으로 살아냈다. 1970년대의 모더니즘부터 80, 90년대의 개념미술, 민중미술, 공공미술 등 한국 미술의 주요 흐름을 거쳐오는 가운데 독립적인 위치를 고수하며 스스로의 작업세계와 기존 제도에 끊임없이 ‘흠집내기’를 모색하였다. 따라서 김용익의 근작은 완료형의 결과물이 아닌 지난 세월에 걸쳐 전개된 사유의 과정을 드러내는 현재진행형이자, 그의 예술적 실천의 변천사를 구성하는 중요한 일 막(幕)으로 읽혀진다.
 
이번 개인전에서 선보이는 회화작업들은 크게 〈모더니즘의 묵시록〉, 〈거짓말의 “여운 속에서”〉, 〈얇게… 더 얇게…〉, 〈20년이 지난 후〉, 〈유토피아〉의 다섯 시리즈로 구분된다. 작업 전반에 등장하는 김용익의 ‘땡땡이’는 90년대 초반에 정제된 미학을 추구하던 한국 모더니즘 회화의 권위에 ‘흠집’을 내고자 작가가 처음 작업에 도입했던 가장 그리기 쉬우면서도 완전한 기하학적 도상이다. 최근작에서는 이 역할을 상실한 채 밝은 색조의 반복적이고 경쾌한 리듬으로 재탄생하였다. 그 동안의 작업이 ‘모던적 주체’로서의 묵직한 고민, 즉 ‘말이 되는 미술’, ‘올바른 미술’에 대한 질문과 자기검열에 기인했다면, 이번 전시의 작업들은 그 무게를 탈피한 듯 얇은 표면과 가벼운 색채가 주를 이룬다.
 
이러한 표면의 ‘가벼움’ 이면에는 여전히 김용익 특유의 냉소적 관찰이 존재한다. 대부분의 근작은 기존에 스케치 형태로만 남아있거나 판화로 제작되었던 작업들을 캔버스로 옮긴 후 이를 재해석, 재전유한 것으로, ‘자유로운 창작’이 의미를 유실한 현재에는 ‘더 이상 정치적, 윤리적 올바름에 복무하는 미술은 불가능하고, 창작이 아닌 편집으로서의 예술이 요구’된다는 김용익의 뜻을 담았다. 또한 식물즙, 자필로 쓰여진 글귀 등의 유기적인 요소들이 회화 표면에 공존한다는 점에서 작업은 기하학적인 도상의 기계적인 반복과는 거리를 둔다. 이러한 모순적인 결합과 유쾌함은 가벼움에 대한 예찬 보다는 가벼움에 빗댄 무거움의 사유를 암시하며 궁극적으로는 오늘날 예술이 처한 위치를 재고하게끔 한다.
 
김용익(1947년 출생)은 1974년 홍익대학교 서양화과 재학 시절 스승이었던 박서보의 적극적인 지원과 영향 하에 천으로 제작된 <평면 오브제>시리즈를 발표하였다. 이 작업을 통해 상당한 주목을 받고 안정된 가도에 오를 무렵인 1981년 작업을 박스에 ‘매장’시켜 전시에 출품 시키는 과감한 결단을 내리게 된다. 이후 국내 화단이 민중미술과 모더니즘의 대립적 구도를 갖추었던 80-90년대에는 이분법적인 사고와 대립을 지양하며 작업활동 외에도 공공미술과 관련된 기획과 글쓰기, 환경 및 지역 미술 운동에 적극적으로 참여하였다. 1991년부터 2012년까지 가천대학교(구 경원대) 미술디자인대학 회화과 교수를 역임하였으며 1999년 대안공간 풀의 창립에 참여하고 2004년부터 2006년까지 대표로 재직했다. 지난 40여년간 지속된 그의 독립적인 예술적 실천의 일부는 최근 일민미술관에서 개최된 대규모 회고전에서 선보여진 바 있다.